Collapse Into Now - Reseña

Siempre nos han gustado esos héroes perfectos, que mueren jóvenes o que dejan aquello a lo que se dedican demasiado pronto. Son héroes inmaculados, a los que no hemos visto marchitarse, y cuyo legado es impecable. Y luego están esos otros que dedican toda una vida a aquello que les convirtió en héroes y que, inevitablemente, acaban tropezando, mostrando sus debilidades y cometiendo errores. Entre estos últimos algunos simplemente se dejan llevar, se rinden, y otros, orgullosos y cabezones, prefieren luchar y mantener la cabeza bien alta aunque la sombra de su leyenda se desvanezca. Probablemente un actor como James Dean, a quién Michael mencionaba de pasada en Electrolite, figure entre los primeros, siempre joven y bello. Mientras que en el otro extremo encontraríamos a Marlon Brando, a quién en cambio llegamos a ver viejo, calvo y gordo, aceptando los papeles que le daban, pero cabezón y tozudo hasta el final. A este último Michael le dedica una de las canciones de Collapse Into Now, y creo que no es necesario dar más pistas de con cual de estos dos actores se identifica mejor el líder de R.E.M.

Y todo esto viene a que nuestros particulares héroes, los vuestros y los que lógicamente protagonizan este blog publican nuevo disco, el decimoquinto de su carrera, ¡qué barbaridad!. A veces pienso en que se diría hoy de R.E.M. si lo hubiesen dejado después de Document, pero también en cuánto nos habríamos perdido. Otras, en la imagen que se tendría hoy día del cuarteto de Athens si hubiesen abandonado después de Automatic for the People, pero nunca hubiesemos escuchado New Adventures in Hi-Fi. Un buen momento hubiese sido después del abandono de Berry, pero entonces Up nunca hubiese podido conmoverme. Y si lo hubiesen hecho después de este disco, nunca hubiésemos escuchado The Great Beyond, Imitation of Life, Living Well is the Best Revenge o el estupendo disco con el que ahora terminan contrato con Warner. El que podría ser el último, digámoslo ya.

Algunas críticas hablan ya de "el mejor disco de R.E.M. desde Up", o desde "Automatic" o desde vaya usted a saber, como recurso fácil a la hora de afrontar la crítica de un nuevo disco de una banda con tres décadas a sus espaldas y dejándose llevar un poco por la maquinaria promocional que hay detrás del álbum. Yo creo más bien que Collapse Into Now es, en realidad, el mejor disco de R.E.M. desde Accelerate. Y esto es así precisamente porque creo que es la continuación lógica de este, porque creo que R.E.M. pueden hacer discos muy buenos aunque no esten a la altura de sus obras maestras, y porque creo que las comparaciones con Automatic infravaloran aquel disco, tiran por tierra muchas de las (muy notables) cosas que el grupo que ha hecho después, y simplemente dejan en evidencia las debilidades de este Collapse Into Now.

Por tanto, centrémonos. Accelerate es el álbum que supuso un giro radical respecto a Around the Sun y con el que la banda inició una nueva época, con un nuevo productor y dejando de lado la pretensión de renovar su sonido (algo siempre presente desde el inicio de su carrera) para volver a lo esencial. Es un disco, también, al que acusé en su momento de complaciente, aunque viendo muchas de las reacciones posteriores quizás no estuve del todo acertado. Y es que si bien es cierto que muchos fans llevaban años pidiendo guitarras eléctricas lo que no muchos esperaban era un álbum tan crudo y acelerado, no apto para todos los públicos y paladares. Collapse Into Now, en cambio, se ajusta mejor al calificativo de complaciente. Es el álbum que dejará satisfechos a (casi) todos los fans del grupo, un trabajo en el que hay un poquito de cada momento de la carrera de R.E.M. y donde la banda se desenvuelve por caminos seguros y ya transitados, donde es dificil que fallen y donde tienen todas las papeletas para gustar a sus admiradores. Cabe pensar en la posibilidad de autohomenaje, aunque me cuesta creer que Peter o Mike compongan con semejante intención. Supongo que simplemente es lo que ha salido, aunque la idea de "último disco de R.E.M." probablemente habrá sobrevolado sus cabezas en más de un momento durante la grabación del disco.

En cualquier caso el resultado es bueno y confirma su buen estado de forma, especialmente en lo púramente musical, y una vez más el germen de esto está en Accelerate. Concretamente en canciones como Until the Day is Done y Houston, donde el álbum se calmaba y el grupo tenía la posibilidad de adornar mejor las canciones. Este fue uno de los grandes problemas de Around the Sun y en Accelerate había síntomas de mejora, luego con la confianza recuperada en su potencial lo que ahora tocaba era explotar esa faceta. Es un buen momento para regresar al estribillo de Houston, quizás el único momento de aquel disco en que R.E.M. apostaban por una mayor ambición instrumental y una mayor riqueza de arreglos, recuperando, después de muchos años, la mandolina. Y es ese exactamente el camino que siguen los R.E.M. de canciones como Überlin, Oh My Heart, It Happened Today o Every Day is Yours to Win. Una excelente colección de medios tiempos y baladas, una detrás de otra, donde el grupo arregla y embellece sus canciones como hacía muchos, muchísimos años, que no hacía. Del menos es más han pasado a la exuberancia sonora, y lo han hecho francamente bien. Guitarras acústicas, Rickenbackers, teclados y organos, mandolinas, segundas voces, acordeones o incluso secciones de viento tienen cabida aquí, todo sin que asome el fantasma de la sobreproducción. Y esta mayor ambición no se queda solo en lo sonoro, sino que se repite en lo compositivo, donde el grupo opta por aumentar el número de riffs, arpegios y punteos respecto a su anterior trabajo. Una delicia. Pero tampoco se olvidan del rock ruidoso y directo que practicaron en Accelerate, puede que algo más desenfadado y pop en esta ocasión, con la excepción de All the Best, que recupera la furia de cortes como Living Well is the Best Revenge.

Quizás es buen momento para reconciliarse con Jacknife Lee, aunque siempre he pensado que la producción de este en Accelerate fue correcta (el problema allí era la chapucera mezcla) y que lo hizo especialmente bien en Live at the Olympia. Es un productor que no creo que vaya a dejar una gran marca en la historia de R.E.M. ni para bien ni para mal, y la loudness war sigue presente, pero en cualquier caso yo no le pondría muchos peros a como suena el disco (y no digamos ya si comparamos con ATS y Reveal). Supongo que la intención aquí es sonar a unos R.E.M. clásicos pero sin regresar exactamente al sonido de los 80 o 90. Una vez más Überlin es un buen ejemplo de cómo se puede sonar a los R.E.M. de siempre pero con un punto más actual. Luego otra cuestión es cómo suena la voz de Michael, que ha optado por volver a producirla.

Entiendo que esto es un disco de estudio y que es lógico corregir imperfecciones y que lo raro en todo caso es la opción escogida para Accelerate, pero los resultados aquí son desiguales. En algunos casos como Überlin o Oh My Heart la voz de Michael suena cálida y natural, en otros la producción se utiliza como un recurso más, bien añadiendo un efecto eco en Every Day is Yours to Win o distorsionándola en Blue, pero en otras la intención parece la de rejuvenecer la voz de Stipe de forma artificial, y el efecto es un tanto extraño en canciones como Mine Smell Like Honey o That Someone is You, donde llega a sonar como si se hubiese acelerado. Quizás la intención es reducir la agresividad de Accelerate y dulcificar la voz en los temas de corte más pop (después de todo esto no sucede en All the Best) pero el efecto no deja de resultar extraño.

En cuanto a lo lírico, Michael sigue especialmente flojo y me temo que aquí no hay solución. Abudan los temas donde la característica principal es la intrascendencia, y aquellos en los que se pone más serio o profundo abusa demasiado de ideas ya utilizadas. Cabría pensar en la idea de autohomenaje o autorreferencia, pero no lo tengo tan claro. Ya había algo de eso en Accelerate y creo que es simplemente una cuestión de repetición. Todo esto no es ninguna novedad, y no es que Michael esté necesariamente peor que en los álbumes más recientes del grupo, pero conviene no olvidarlo antes de situar este disco junto a los grandes clásicos del grupo. En este aspecto, Collapse Into Now está muy lejos de aquellos.
A pesar de todo, Michael se redime en la recta final del disco, con canciones como Marlon Brando o Blue, que por cierto es la primera canción de la que no se publican las letras en la era post-Berry. Y se recupera un poco la temática de Up, con personajes situados en encrucijadas y momentos de cambio, aunque subyace sobre todo la idea de "ahora". Es curioso que se esté hablando tanto del pasado de R.E.M. y, a la vez, del futuro (o no futuro) del grupo con un disco que tiene la palabra Now en letras bien grandes en la portada y que se repite en varias de las canciones del mismo. La idea de presente es esencial en el disco, o quizás la del choque del pasado con el momento actual. Por supuesto nunca se debe confundir autor con narrador y en principio no deberíamos buscar dobles lecturas en las letras de Michael y creer que habla de él y de R.E.M. Solo que luego escuchas All the Best y es dificil no captar posibles mensajes sobre el momento actual de la banda. Así que es un buen momento para pasar al análisis canción a canción, y desentrañar qué es lo que hay aquí. Y ahora.

Discoverer

Sin duda alguna, una de los comienzos más épicos con los que R.E.M. ha abierto un álbum, que recuerda al de Finest Worksong en Document y cuyo lugar no parece poder ser otro que el comienzo, con ese riff de Peter que es ya icónico de este disco. Es una canción que no terminó de convencerme del todo en su momento, pero que tres meses después, y en el contexto del disco, me funciona especialmente bien. Conviene no confundir con un hitazo a lo Kenneth o Living Well, ya que aquí la intención parece similar a la de sus directos. El tema fuerte viene en segundo lugar, y Discoverer funciona como entrante, poniendo en situación al oyente, y no dilatando la canción más que lo justo y necesario.
Comentaba antes que conviene no confundir autor con narrador, pero aquí tenemos el primer ejemplo de que esto no es siempre posible, si tenemos en cuenta que es el propio Michael quién ha confirmado que es una canción autobiográfica. Concretamente habla de cuando este descubrió, en su juventud, la ciudad de Nueva York y el cambio que supuso para él. De ahí las referencias a ciudades, Houston Street y la idea de oportunidades y posibilidades. Aunque Michael parece hablar desde el presente. Y ahí está la línea "Now I wake up dreaming saffron, turmeric and brass" donde me resulta especialmente llamativa la mención al latón (o ese creo que es el significado aquí de brass), dado que más adelante repetirá referencia a este y otros metales y reconozco que se me escapa el por qué.
Now! vocifera Michael antes de gritar "descubridor" (es decir, él mismo). El disco ha comenzado.

All the Best

Una especie de Living Well is the Best Revenge 2, aunque quizás algo más tosca. La rudeza es tal que no tiene ni intro, provocando la sensación de que la canción está ya empezada. Su principal virtud es sin duda, como en el corte que abria Accelerate, el punch, con el Michael más agresivo, orgulloso y desafiante del disco.
Una canción  ruidosa, sucia y rugosa, donde en el estribillo Michael promete rimar y cantar una vez más (¡como no identificarle con él mismo!) y enseñar a los chicos a "hacerlo bien". ¿Una mensaje para posibles bandas que vengan a ocupar su lugar cuando ellos ya no estén?.
Y no es el único mensaje que merece la pena repasar. Algunos cronistas mencionan líneas tan gráficas como "Tell me where to place this in my Quasimodo heart" o "I rang the church bell, 'til my ears bled red blood-cells", aunque a mi me llama más la atención, en la segunda estrofa, cuando Michael dice:

"You tell me which part of my story may be stuck, stuck, stuck!
I'm in a part of your dreams that you don't even understand"

Donde parece responder a las críticas más duras que ha recibido el grupo y a aquellos que descalifican sus letras por no saber entenderlas. En fin, lo más parecido a un puñetazo en la mesa que hay en este disco.

Überlin

Y con esta nos adentramos en el largo tramo acústico que domina la mayor parte de la cara A del disco y que yo situaría, junto al final, entre lo mejor de este Collapse Into Now. También es la primera canción en la que hace acto de presencia la segunda voz de Mike, doblando la voz de Michael en el estribillo e incluso en la segunda estrofa, y que seguirá presente durante la mayor parte del álbum. Y es que aunque antes no lo mencioné las armonías vocales, y el juego de voces Michael - Mike, es sin duda una de las características más notables de este disco, ¡y eso que lo que se está publicitando son las voces invitadas!
En cuanto a Überlin, es un tema acústico muy en la línea Out of Time/Automatic, que en principio recuerda casi a un Drive algo acelerado durante los primeros segundos aunque ese "Hey Now" que repite Michael es más bien de Find the River. La producción en cambio es algo más moderna, fiel al estilo de R.E.M. y elegante, pero con sonidos más actuales. Probablemente es uno de los cortes con más posibilidades de alcanzar la condición de clásico, y ese "I am flying on a star into a meteor tonight" es de esas líneas, como algunas de Electrolite, que parecen grabarse a fuego en la cabeza de los fans.
En esta ocasión el protagonista de la canción se situa en una ciudad desconocida para él, no necesariamente Berlín pese a la referencia al übahn y el título, y que como al protagonista de Discoverer le está cambiando de algún modo.

Oh My Heart

Una segunda parte reconocida de Houston, a la que Michael hace referencia en las líneas "la tormenta no me mató/el gobierno cambió", y también una reconstrucción musical de aquella, como también reconoce el líder de R.E.M. cuando dice "hear this song re-arranged". Una idea muy acertada si tenemos en cuenta que el tema clave de esta canción es, precisamente, la reconstrucción de la ciudad de Nueva Orleans, y lo apropiado que es que Houston sonase oscura y destartalada y Oh My Heart melódica y esperanzada. La canción es, por tanto, nueva, y no un simple Houston con nueva letra, y entre la elegante y deliciosa instrumentación sobresalen los pequeños punteos de mandolina y sobre todo ese acordeón que firma Scott (que está coacreditado por primera vez en un álbum de R.E.M. en esta canción) y que aporta un punto triste y melancólico que le sienta como un guante.
La letra casi parecen los pensamientos de Albert Lambreaux en el episodio piloto de Treme, donde el protagonista regresa a Nueva Orleans para colaborar en la reconstrucción de la ciudad. Y el estribillo, tan criticado por algunos fans, a mi me parece perfecto. Me gusta mucho como han producido las segundas voces, que suenan casi como fantasmales, y la sencillez del estribillo no me parece motivo de crítica. Muchos de los estribillos de R.E.M. se construyen sobre un pre-estribillo con las líneas clave y un estribillo que se limita a repetir una idea y este, como los de Fall On Me, The One I Love o Let Me In, no es una excepción. Y ese Oh My Heart es perfecto porque, además de que es uno de los mejores momentos de Michael como cantante en el disco, representa a la vez la idea de amor por la ciudad, como la de desesperación por la tragedia acaecida.
Una canción redonda.

It Happened Today

Me esperaba algo tan distinto de esta canción que la primera vez que la escuché me pareció poca cosa. ¡Menudo error el mío! En la letra no hay mucho donde rascar, pero este tema semi-instrumental me obliga a soltar una de esas odiosas frases de "lo mejor desde". Y es que creo que no exagero si digo que aquí están las mejores armonías vocales que ha firmado R.E.M. desde Out of Time y cortes como Belong o Endgame.
Algunos fans lamentan que Eddie Vedder no tenga un mayor protagonismo (olvidando al bueno de Joel Gibb, por cierto), pero esto no es un disco de Hip-Hop ni It Happened Today un vehículo para hinchar egos. Y Gibb y Vedder pueden sentirse satisfechos de haber participado en un momento tan logrado y conseguido.
Pero es que, además de entrelazar con maestría las voces de Michael, Mike, Gibb y Vedder, el colchón sonoro sobre el que estas se aposentan tampoco está descuidado en absoluto. Guitarras, mandolina, mallets, piano y hasta una tímida sección de viento (ya presente en Oh My Heart) sorprenderán al oyente más atento. Y, repito, todo en una armonía perfecta.
Dato curioso: la melodía se parece muchísimo a la de She Doesn't Exist de Robyn Hitchcock. Tema de 1991 en el que, por cierto, participaban Michael haciendo coros y Peter con su guitarra.

Every Day is Yours To Win

Algunos fans han comparado esta canción con algunas cosas del último disco de Richard Hawley y creo que no están desacertados. Otros, en cambio, han hablado de Eels y tampoco andan muy desorientados, y algunos incluso han mencionado el No Surprises de Radiohead supongo que por ese glockenspiel que tan bien acompaña a la melodía principal durante todo el corte. En cualquier caso, es la primera vez en Collapse Into Now donde la referencia más clara no son los propios R.E.M., y eso es interesante. Y si algo no se le puede negar a este tema es que tiene una de las melodías más bonitas que han grabado en los últimos años.
Algunos críticos también la han comparado con Everybody Hurts, pero en realidad esto es más intimista y esta lejos de esa condición de himno, así que supongo que se debe más bien a esa letra de superación personal y de impulso a seguir adelante tan típica de Michael. Quizás la única idea interesante es ese "That's how heroes are made" dado que en Me, Marlon Brando, Marlon Brando and I Michael vuelve a hacer referencia a los héroes.
No me termina de convencer, por cierto, ese puente con Mike haciendo coros, aunque se redime en el resto del tema donde su voz mece a la canción como merece. Un estupendo final para una cara A realmente sólida, notable y convincente.

Mine Smell Like Honey

La segunda mitad del disco, en cambio, no comienza tan bien. Supongo que le he cogido algo de tirria a la canción por su condición de primer single, uno de los más flojos que han publicado, y por esa voz artificialmente rejuvenecida que provoca que Michael suene tan raro. Pero en realidad musicalmente es una canción con jangly guitar muy en la línea de sus tiempos en IRS, pero grabada de una forma bastante distinta que la convierte en otra cosa. Y muy cínico tendría que ser para no reconocer aquí uno de los estribillos más pegadizos del álbum (¿el que más?) y un pildorazo de power pop que, dentro del contexto del disco, funciona muy bien detrás del largo tramo acústico anterior.
La canción se caracteriza por la intrascendencia de este tipo de canciones, y ese "me huele a miel", que canta una tercera persona a la que parece que va dirigida la canción como forma de alabar "su fruta" (supongo que una referencia sexual en toda regla) parece un mensaje de despreocupación, de no prestar atención a lo que te dicen y creer en tus posibilidades para hacer lo que deseas.

Walk It Back

Sin duda alguna, el mayor y más considerable tropiezo del álbum. R.E.M. siguen sin acertar con sus "canciones de piano", y aunque esto no es tan bochornoso como Make It All Okay es obvio que está a años luz de Nightswimming, pese a alguna desafortunada comparación que han hecho por ahí. Hay buenos detalles, como el estupendo riff de piano de Mike sobre el que se construye la canción, o la voz de Michael, que aquí está por encima de la media del disco. Pero esto es un baladón de pop adulto que, aunque algunos se empeñen en hablar de aires 60's, a mi no me parece tan lejano a algo que podría haber cantado Dolly Parton en alguna radioformula en los 80. Ni siquiera encaja en el disco y no se explica muy bien que hace entre Mine Smell Like Honey AAAA.
La letra de Michael tampoco ayuda, una típica historia de amor roto en la que el protagonista pide a su ex-pareja rebobinar, borrar y volver a empezar. Viniendo de alguien que ha escrito cosas como Be Mine o At My Most Beautiful es irritantemente insultante.

Alligator_Aviator_Autopilot_Antimatter

¡Como mola está canción! Disculpen el arranque de entusiasmo, pero es que es sin duda una de mis debilidades. Un fiestón rockero (¿o popero?) como ya lo era I'm Gonna DJ, solo que mucho mejor y más desarrollado. El riff de Peter es adictivo y pegadizo como pocos, Lenny Kaye aporta un solo de guitarra raro de ver en una canción de R.E.M. (pero corto, como debe ser) y la extraña presencia de Peaches funciona aún mejor de que lo que podían predecir los más optimistas.
El juego de voces Michael - Peaches es una gozada, a la altura, o incluso mejor, que aquellos que grabaron junto a Kate Pierson en aquel disco que se publicó hace hoy exactamente 20 años. Brillan especialmente en el estribillo, pero me gustan mucho en esas líneas que terminan alzando la voz en la última palabra, o ese momento recitado durante el puente que aporta un cierto rollo punk. Y todo esto no funcionaría si Scott y Bill Rieflin no estuviesen ahí detrás formando junto a los tres R.E.M. esa banda que funciona tan endiabladamente bien en este tipo de canciones.
La letra es intrascendente y casi pueril, pero es de esas que molan y divierten, con descripciones muy gráficas, y una sonoridad que vale más que algunas letras supuestamente trascendentes pero profundamente vacías.

That Someone is You

Y con esta repiten aquel truco que utilizaron al final de Accelerate de secuenciar dos canciones rockeras y aceleradas que juntas apenas suman cuatro minutos. Se trata de una canción muy fresa y divertida, que recuerda a aquellas "early songs" previas a su fichaje por IRS que, por cierto, nunca llegaron a grabar por no sobrepasar el nivel exigido por el grupo. Algo que por tanto podría ser un arma de doble filo si no fuese porque apenas dura minuto y medio y porque funciona como un buen interludio antes del final grave, serio y triste que se han guardado para el final.
Me recuerda bastante al live in studio que grabaron hace unos años de Permanent Vacation y voy a pasar por alto como suena la voz de Michael por lo tontorrón de la canción. Es dificil no sonreir al escuchar a Michael rimando "Sharon Stone Casino / Scarface AlPacino/ 74 Torino", aunque quizás la clave sean esas referencias a New Order o Young Marble Giants, que nos situan a comienzos de los 80, quizás como inspiración del protagonista de este corte antes de lanzarse a iniciar su propia aventura musical.
Eso sí, el oyente más exigente no debería pasar por alto que, con resultados mejores (AAAA) y peores (Walk It Back), está segunda cara tiene como denominador común la ligereza y la intrascendencia. Es hora de que las dos últimas canciones del disco cambien esto.

Me, Marlon Brando, Marlon Brando and I

Es curioso que muchos cronistas hayan pasado muy por encima de esta canción, como si fuese un simple relleno, cuando es uno de los temas más interesantes del disco. Michael, además, se ha negado a explicarlo y ha invitado a los fans a alcanzar su propia interpretación. Intentémoslo pués.
La mandolina es aquí el instrumento principal, como en aquellos cortes de Green como You are the Everything, The Wrong Child o Hairshirt, solo que la amargura y vulnerabilidad de Michael es más propia del ambiente de Up, y los arreglos con el piano y (creo que) slide entre otros adornan con delicadeza un corte profundo que Michael y Mike, con sus voces, saben llevar a una de las cimas más emocionantes del disco en el final.
Mucho ojo a las primeras líneas de cada estrofa. En la primera Michael habla de vivir y soñar sobre el futuro, y en la segunda sobre vivir y soñar sobre nuestros héroes. Y es que si en Every Day is Yours To Win Stipe nos hablaba de cómo se hacen los héroes, esta es la canción sobre cómo estos tropiezan y se marchitan ("Our heroes and all their fatal flaws"). Una reflexión, en fin, sobre el ocaso de nuestros héroes, en la que el protagonista se identifica con el tan legendario como luchador Marlon Brando. Una reflexión, por tanto, en la que es fácil identificar a Michael y a los R.E.M. cincuentones que han grabado este disco.
El título, que para tantos chistes fáciles ha dado, se explica en esa segunda línea que dice "Please ask Neil, I need to pow-wow now" y que hace referencia a Pocahontas, aquella canción de Neil Young que terminaba con la línea "Marlon Brando, Pocahontas and me" y que hacía referencia a aquel boicot que perpetró el actor en aquella ceremonia de los Oscars donde, en lugar de recoger el premio, optó por enviar a una activista de origen indio para denunciar el maltrato de Hollywood para con los indígenas americanos. Otro buen ejemplo del caracter transgresor de Brando.
La coda/segunda estribillo de la canción, con Mike repitiendo ese "down down down down..." bajo las palabras de Michael es, como ya digo, uno de mis momentos favoritos del disco, y en las inspiradas y emotivas líneas de este reaparecen esas referencias a metales que comentaba al principio y que no termino de comprender: anillos de latón en el pelo, oro y bronce, y latón mezclado con plomo. Si en Discoverer el protagonista, el propio Michael, despertaba soñando con latón, y aquí comienza hablando de sueños sobre héroes y futuro, es posible concluir que este es el sueño de Michael.

Blue

Mucho se ha hablado de que esta canción es una especie de cruce entre Country Feedback y E-bow the Letter y creo que es necesario hacer alguna precisión. La canción es, efectivamente, una especie de versión de estudio del Country Feedback que interpretan en directo hoy día, que ha mutado desde el original de Out of Time siendo cada vez menos country y más feedback, más eléctrica y sucia, más épica. Pero la referencia a E-bow the Letter me parece más gratuita y creo que se debe a la presencia de Patti Smith que, por cierto, aquí escribe su parte y aparece como coautora de la canción. La idea de enfocar el tema como un spoken word parte más bien de ese fragmento recitado de (la algo infravalorada) Chorus & the Ring que Michael incluía al principio de Country Feedback en los directos, y que hace que la estrofa recuerde más bien a la de Belong.
En cuanto a la letra, que Michael no ha querido publicar, le redime de todos los muchos momentos en que flojea a lo largo del disco. Es profundamente críptica y dificil de descifrar, pero aquí están y se repiten todas las ideas de las que ha hablado en los cortes anteriores. Vuelve la idea del pasado chocando en el ahora, no solo por ese Twentieth Century Collapse Into Now con el que termina, sino también cuando se define como fabricado por sus tiempos, y como una creación del ahora. O de nuevo la referencia a metales cuando dice que canta en platino, viste en latón y come en zinc. Se define como un poeta, quizás como un mal poeta o un poeta de mierda, y cita como inspiración más tarde a Walt Whitman, Patti Smith, a sus hermanos y sus hermanas. Y resulta curioso también que cite una fiesta de Halloween a las 4AM, la misma hora a la que escribía su carta el personaje de E-bow the Letter y una hora que, por cierto, tiene una sonoridad muy parecida a R.E.M.
En fin, un tema indescifrable cuyo análisis excede los límites de esta ya excesiva reseña que, probablemente, tiene mucho de personal y que se relaciona, seguro, con canciones como Discoverer o Marlon Brando de algún modo que seguramente Michael no nos va a querer explicar.
El final de la canción, con el piano de Mike y Patti en solitario cantando las líneas "cinderella boy, You've lost your shoe", es soberbio, y quizás hace referencia a Cinderella Man, el boxeador James J. Braddock, famoso por ganar peleas en las que no era favorito (de ahí ese "Your coach awaits"). ¿Es Michael aquí el cinderella boy?, ¿lo habrá escrito Patti Smith pensando en él?, ¿se habrá atrevido Michael a preguntarselo?. Supongo que es algo bonito sobre lo que pensar.

El disco termina con un reprise de Discoverer, algo que en un primer momento pensé que era fruto de la moda actual, pero que tiene su sentido si encontramos la relación de esta canción con Blue y otros momentos del disco. Y el riff de Peter, otra vez, suena tan épico o incluso más que en los primeros segundos del disco. ¿Es esto lo último que vamos a escuchar de R.E.M.? Si no es así, yo creo que Blue es un excelente ejemplo de que R.E.M., con sus defectos, pueden seguir haciendo grandes cosas, siendo ellos mismos pero a la vez arriesgando y experimentando como hacen en esta extraña y sobresaliente canción. Puede que la sombra de los R.E.M. se desvanezca en la portada de Collapse Into Now, pero la cabeza de los tres héroes de Athens permanece en alto y mirando al frente. Hay motivos para confiar en R.E.M.
Y si esto sí es lo último que escuchamos de R.E.M... bueno, supongo que este ha sido un gran y hermoso final.